viernes, 28 de mayo de 2010

Ejercicio 1

Poner cinco ejemplos de tiempo abstracto en cine (nombrar películas o videos, poner stills) y explicar de que abstracción se trata.

Tiempo emocionalmente introspectivo de tipo relativo y altamente complejo. (no sé como nombrarlo) El final de El Espejo, cuando la abuela está con sus hijos caminando, pero ella está físicamente en un tiempo presente y los niños están físicamente en un tiempo pasado.  Nos habla sobre como se siente el personaje principal en su tiempo presente, ya de adulto, a punto de morir, con respecto a la relación que llevó durante toda su vida con su madre.  Relativo a su madre, él se sentía otra vez de seis años.  Al mismo tiempo es una especie de premonición que se encuentra teniendo la madre en tiempo pasado sobre como será la relación con su primogénito cuando se atreve a reconocer consigo misma que anhela un varón.




Tiempo suspendido.  En Reflecting Mirror de Bill Viola, cuando el hombre no cae al lago, el tiempo queda suspendio, pero sólo su tiempo, pues el resto, el del paisaje visual continúa fluyendo tranquilamente.



Tiempo trance.  En Stalker, cuando los tres personajes van en el vagón acompañados de un magnífico score de Artemiev, en realidad es un tiempo de estilo trance o hipnótico.  Llegan a la Zona y nosotros como espectadores aceptaremos cualquier cosa, pues ya nos encontramos en otro estado mental, emocional y espiritual.



Tiempo Contenido.  El tiempo contenido en una presencia.  El tiempo que indica que se estuvo presente.  Una especie de aura materializada en un detalle.  Como el vaho de la taza en El Espejo.



Tiempo Vivencial.  Cuando se escapa la gravedad durante unos instantes en Solaris.  Los personajes principales extienden el tiempo a como lo viven en ese momento.  Es un tiempo subjetivo, en el que las cosas parecieran prolongarse indefinidamente.



En solaris también se podría hablar de otro tipo de tiempo.  El del personaje de ella.  Es una especie de tiempo vacío, pues en realidad no existe.  Es un tiempo inventado por el mar a partir de los recuerdos de él.  Es un tiempo muy complejo.

Matthew Barney

Cremaster.  Cine completamente plástico y estético.  El blanco y la limpieza que sólo pueden recordarnos a la esterilización.  No hay ningún tipo de vida visible y la que parece existir es completamente inorgánica, perfecta.  Pero de repente aparecen las uvas y la tela en el coche.  El contraste lo vuelve todo mucho más burdo.  Es completamente sexual. Pero ¿qué tipo de sexualidad?  Una íntima y hasta cierto punto escondida, pero por escencia, una sexualidad de lo abyecto, lo cual vuelve complicada su intimidad y sus ganas por esconderla.  

En realidad no sé que pensar de Cremaster y de Matthew Barney.  Me habría gustado terminar de ver la serie.  Leer un poco sobre el proyecto.  Escucharlo más tiempo hablar sobre el tema.  Discutir más.  Descubrir más pistas.  Creo que sé muy poco del proyecto como para generar comentarios que aporten algo.  Ni siquiera sé aún si me gustó o no, sólo sé que me intrigó.



Doug Aitken

Diamond Sea.  Un diamante en el mar.  Un artista visual que se apropia del espacio natural y que recurre al video como medio de registro.  Al final la pieza que se vende es el video, no la apropiación del espacio.  Si el artista sabe esto de antemano, como es lógico, entonces toda su idea tiene que estar lograda sin dejar de lado el resultado final (el video).  Situación que lo vuelve tanto más video artista que artista visual, pues al final tiene que pensar como va a abordar la pieza con el video primero y con mayor cautela que en la pieza en sí.  La posibilidad de modificar las cosas con la edición, con los encuadres y con todas las herramientas que el video proporciona debería de estar presente en la la mente del creador todo el tiempo.



Bill Morrison

Decasia.  Jugar con los hongos del material.  Incorporar las fallas.  Usar el paso del tiempo a favor de uno.  La idea suena tan desquiciada como habrá sonado la primera vez que alguien propuso comer queso con hongos o hacer vino o cualquier otro alimento que se aproveche de la descomposición del material original.  Sin embrago, los resultados siempre son increíbles.  El trabajo de Bill Morrison me parece Brillante.  La idea de llevarlo a cabo, pero no sólo eso, sino la manera en la que termina incorporando las descomposiciones, como los vuelve parte de la narrativa y genera ritmos a partir y a través de ellos.  El montaje es sensacional.  Las texturas.  La organicidad del material.  Está vivo y cambia.  Está vivo gracias a aquello mismo que lo está destruyendo... a los hongos, al tiempo.  Es tan paradójico como entender que a nosotros, los seres humanos, termina por destruirnos aquello sin lo que nos sería imposible vivir, pues el oxígeno es vital al mismo tiempo que mortal, nos oxida hasta que ya no podemos respirar.





Peter Tscherkassky

Dream Work.  El principio, en el tren que avanza, me recordó mucho a Europa de Lars Von Trier.  Lleno de misterio, de movimientos impredecibles, de obscuridad.  Las cosas no avanzan como uno esperaría.  Curioso, porque un tren promete tranquilidad en tanto que la ruta es predecible, está sobre vías, no hay mucho espacio para la improvisación y sin embargo, tanto el trabajo de Tscherakassky, como el de Von Trier, generan mucha inseguridad en tanto a cual terminará siendo el destino... probablemente no el prometido.  Conforme avanza Dream Work uno se da cuenta que estaba en lo correcto.  El título, Dream Work, nos había engañado.  Esto no se trata de un sueño, sino de una pesadilla.  Comienza el juego visual de sombras, de imágenes sobrepuestas, de confusión y terror.  Es una violación.




 Manufraktur.  Coches.  Coches.  Coches.  Unas piernas femeninas cruzan el cuadro.  Coches.  Coches.  Coches- Un sin fin de loops.  El tiempo comienza a fragmentarse, cada vez más rápido, cada vez en fracciones más pequeñas.  Hasta que termina en líneas.  Abstraído en las líneas que conforman su movimiento.  Líneas que viajan tan rápido que no somos capaces de apreciar como tal.  Un juego de montaje que genera un ritmo veloz y embrutecedor.

Peter Kubelka

Adebar.  La abstracción del movimiento.  Una danza sin personalidad.  Las formas son lo único que importa, las que se crean debido a la luz y a la obscuridad que se generan por el movimiento de los danzantes.  Hace poco vi un corto Tijuanense creado en Barcelona (Sector T de Sal Ricalde) en el que salía una chica bailando, pero desnuda.  El ejercicio es completamente distinto, uno sigue viendo primero a la persona y después al baile o a los movimientos generados.  Con el cuerpo desnudo uno no puede evitar mirar la manera en la que los músculos se contraen, en la textura de la piel, en el brillo del sudor.  Uno se pierde del movimiento por eso me gustó tanto Adebar, porque de verdad logra que nos concentremos únicamente en el baile.  Hermoso baile.




miércoles, 26 de mayo de 2010

Joseph Cornell

By Night with Torch and Spear.  El humo sube y es atrapado.  Una sensación onírica envuelve a todo el corto.  La gente camina para atrás.  Lo que baja, sube.  Los tonos amarillos.  El fuego superando la sensibilidad del material.  Luego más tonos rosas y después el negativo puesto tal cual.  Los blancos aún siendo negros y los negros todavía queriendo ser blancos.  Recuerda mucho a Winter Solstice pero abordado desde un ángulo más humano.  

El fuego tiene la capacidad de hipnotizarnos a todos.  Verlo aparentemente controlado en una fogata y no poder dejar de verlo.  Saber que al final parece aparecer de la nada y sólo cuando él quiere... y desaparecer cuando así le place.  Se pierde la magia estando en la ciudad con los encendedores.  Pero un fuego real, un incendio, es hechizante y no es de extrañarse que tantos autores decidan incorporarlo en sus decisiones creativas.


Bill Viola

Migration. Esa gota cayendo me pareció mágica. Estaba tan abstraida en la manera en la que distorcionaba el espacio y expandía el tiempo, que tardé muchísimo tiempo en darme cuenta de que se trataba de una gota cayendo de un grifo que además contenía el reflejo volteado del primer personaje que habíamos visto. Una experiencia increible. Poder acercarte tanto a una gota de agua y descubrir que a pesar de su tamaño tiene lo necesario para seguir reflejando. Que tu reflejo cabe en una gota de agua, que si no lo ves no es porque no este ahi, sino porque tus ojos no tienen la capacidad de verlo.

http://www.eai.org/eai/user_files/images/title/_xl/viola_migration_xl.jpg


The Reflecting Pool. El tiempo en este video es una cosa extremadamente compleja. Me gustaría analizarlo desde una cita que obtuve de Materia y Memoria de Bergson (libro que por alguna extraña razón me pareció ser mucho más pequeño, ahora que lo volví a revisar, de lo que recordaba cuando lo leí.)

"El pasado es por escencia lo que ya no actúa."

Bill Viola mezcla el pasado y el presente en un mismo tiempo (el del video ya editado, pues el del video grabando en realidad fueron dos tiempos diferentes) En este libro, Bergson se cuestiona que tanto el pasado en realidad ya no existe o que tanto simplemente ya no nos es útil. Ver, desde nuestro presente, el pasado y el presente en un mismo tiempo genera ansiedad justo porque se revela esto mismo. El pasado existe tanto como el presente, sólo ya no nos es útil. Un hombre congelado a la mitad del camino entre la orilla de un lago y el lago es completamente inútil. Es como ver a la muerte con vida... completamente aterrador.


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"Percibir significa inmovilizar."


Ancient of Days. Bill Viola lleva hasta sus últimas consecuencias la idea de esculpir el tiempo. Tanto como Miguel Ángel tenía la capacidad para ver la figura que sólo él veía debajo de la piedra, para luego desenterrarla de la piedra, de la misma manera Bill Viola parece lograr desenterrar tiempos que sólo él logra ver enterrados dentro del gran tiempo que el resto de los mortales vemos. En Ancient Days lo hace tan bien que la piel se crispa sin querer.

from Bill Viola's "Ancient of Days" as seen from the old TV monitor in Bobst Library by xnmeme.



Hatsu Yume. El Primer Sueño en japonés. Acciones que describen al movimiento paso a paso. Fragmentando la continuidad de la duración, volviéndola digerible, retrazable, memorizable. Un ejercicio interesante.

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Pipilotti Rist

Ajourd´hui. Hoy en francés. Una cámara que vuela alrededor de Pipilotti Rist, sin perderla de vista casi nunca. La cámara se eleva, gira, va y viene sin ninguna dificultad. Antes de comenzar el corto, se avisa que se debe de mirar con la oreja izquierda pegada al hombro (ósea en un ángulo de 90º) Ella está en el súper, después en su casa. Durante su recorrido, aparecen siluetas sobreexuestas y pequeñas que se sobreponen a la imagen de Pipilotti Rist. Entre el movimiento, los ojos verdes de ella y las siluetas que van y vienen, la cámara lenta, el silencio, uno termina por quedar hipnotizado. La narrativa deja de importar. Ya no es relevante que tan sólo se trate de una chica paseando por un súper. Visualmente es tan atractivo que se impone al de los elementos.


https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsrOAQ3irBPjP_1qzBtAX_41q9uOe1yWH5xRbV5qBy3l0nIstP-zou_UBmVZqDBeetSPaSQAkw-sp-VjEh0Zo3B0kSWg6LLYyUCNLdrn1eyPHDaaS7_ZakLC-i-ZsxjW4eWXPi93OfPyU/s400/5092.jpg

Chick Strand

Fake Fruit Factory. Parte de una tradición mexicana bastante curiosa. Frutas de madera y de cera para poner como adorno en la mesa del comedor. Manos mexicanas. Rostros mexicanos. Artesanías mexicanas. Jefes gringos. Chick Strand realiza un video antropológico en el que analiza las relaciones que se generan dentro de la fábrica de fruta falsa. Los jefes gringos tienen su harem personal de mujeres mexicanas. Las mujeres mexicanas disfrutan de la atención extra que reciben de los jefes. El trabajo es interesante en cuanto al manejo de c.u.'s con telefoto, a la manera en la que se concentra en las manos. Visualmente es muy interesante y propositivo. Narrativamente me resulta interesante a medias porque tiene partes muy predecibles.

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Naomi Uman

Removed. El título lo dice todo. La mujer queda eliminada. Brilla por su ausencia. Las escenas eróticas y/o pornográficas adquieren un sentido completamente distinto. Uno no puede dejar de ver la mancha blanca. Se vuelve tanto más violento. La mujer queda despojada de su corporalidad, queda reducida a puro vacío. "...el espíritu es irresistiblemente hechizado por el lugar vacío dejado por el sentido" dice Baudrillard. Esta película es como el hijo audiovisual que hubieran podido tener Bataille y Baudrillard. Es tanto así de complejo para mí.

Un espejo cuelga de la pared opuesta
ella no piensa en él,
pero sí el espejo en ella
(Diario de un Seductor)


"Seducir es morir como realidad y producirse como ilusión" dice Baudrillard.

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“El goce se sitúa allí donde la palabra tropieza, falla, falta. Es el momento en que la palabra se confronta con lo inarticulable. Su proximidad supone el peligro de ruptura de toda referencia simbólica, confina con el horror. De ahí su lazo esencial con la pulsión de muerte introducida por Freud.”

- Bataille.

Dara Birnbaum

Wonder Woman. Un programa de televisión súper setentero. El mundo de los comics. Una superheroína que nació de la necesidad feminista por "igualdad". Dara Birnbaum realiza un proyecto con un claro tono sarcástico. En realidad ella sólo nos enfoca la mirada a lo que ya estaba ahí desde antes. El hombre y la mujer no son iguales y nunca van a serlo. Físicamente, mentalmente, emocionalmente... son distintos. ¿por qué la necedad de buscar una igualdad que en principio no existe? Se termina con proyectos como Wonder Woman, en los que, con un poco de edición que logre sacar al espectador de la diégesis, queda claro lo ridículo que son: Una mujer que razga el vidrio con sus uñas.... ¿por qué no mejor partir de la base de que somos diferentes? No digo que las cosas se tienen quedar como las pinta Disney (la princesa espera ser rescatada por su príncipe) sólo digo que no hay necesidad de crear mujeres físicamente superiores a los hombres, porque eso es absurdo (con sus claras excepciones) y termina por sentirse ridículo. El feminismo tiene sus límites y están en la lógica y en la razón.


Shuji Terayama

Video Letter. Me impresona la capacidad que tienen Shiju Terayama y Shuntaro Tanikawa para generar arte a parir de algo que conlleva un dolor tan profundo y poderoso. Milagrosamente evitan caer en cualquier tipo de cliché. Se realizan preguntas que todos nos hemos hecho millones de veces ¿Quién soy yo? (por ejemplo) pero las hacen desde un punto que ninguno de nosotros conoce, desde el principio del desenclace y eso le agrega una dimensión de profundidad a la misma. Se responden llenos de la frustración que implica saber que no existen respuestas acertadas. Es un ejercicio muy valiente. Mirar hacia adentro cuando crees que ya de nada sirve porque igual ese "adentro" dejará de existir en muy poco tiempo. Todavía más valiente atreverse a compartirlo con el mundo. Arriesgarse a que sea mostrado en una clase de universitarios y que nadie entienda, que la gente se aburra y se desespere de tanta introspección, que a su corta edad los alumnos sean incapaces de empatizar, tal vez más por miedo que por verdadera falta de sustancia. Es un ejercicio del que cuesta trabajo hablar porque cuesta trabajo ver también.


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Standish Lawder

Necrology. Caras subiendo en la pantalla. Rostros que no llegamos a cuestionar. Un montón de gente, tal como la vemos a diario en algún mall o incluso en la calle. Pasados unos segundos uno empieza a cuestionarse más la forma en la que se realizó que a la narrativa. Nos deja de importar qué hace la gente ahí, ¿quiénes son? El encuadre está increíblemente bien pensado, genera la sensación de unas escaleras eternas. La gente aparece y desaparece sin dejar rastro alguno. Una metáfora muy ingeniosa de la vida.

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Corridor. El cliché del corredor llevado al extremo en todos los sentidos. Una mujer a lo lejos. Con tantos cambios de luz y de colores que llega un punto en el que uno olvida por completo que se trata de una mujer. Las líneas de fuga. La cámara da giros. Se vive el espacio como no podría vivirse sin una cámara de por medio.


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martes, 25 de mayo de 2010

Nam June Paik

Artista Visual. Músico. Video Artista. Cine Experimental. Fluxus. John Cage. 4' 33''. Mercer Cunningham. Danza Moderna. Colores. Formas. Tiempos. Ritmo. Abstracción. Deformación. Ruido. Movimiento. Textura.

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Todo eso viene a mi mente cuando recuerdo el trabajo de Nam June Paik.


Global Groove. Hoy en día es un simple videoclip más. Creo que no supo envejecer muy bien. pesar de eso, se trata de un viaje visual y rítmico muy interesante. Resulta fácil dejarse envolver en ese mundo de colores y formas cuyo único sentido es generar ritmo.

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Suite 212. Empresas Multinacionales. El paisaje: Nueva York. Una crítica poética.

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Merce by Merce by Paik. Merce se dirige. Nam June Paik dirige el proyecto. Merce Baila. Paik graba. El resultado es grandioso: Paik y Merce haciendo arte a contratiempo.

John Cage Merce Cunningham


Good Morning Mr. Orwell. Un proyecto extremadamente ambicioso para la época.
Como cineastas aprendemos a detestar a la televisión, por lo menos en Centro. Paik demuestra que no hay que descartar nunca nada, que con todo se pueden generar proyectos interesantes. La cultura televisiva no es inferior a la cinéfila. Hay que dejar atrás las pretensiones. Dejar de hablar y empezar a hacer.



Un poco de Cage.

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Fontana Music Mix (Fragmento), John Cage.


Xenakis, músico y arquitecto.

La música y el ritmo. Me recuerda a un libro que leí hace poco, (Música de la Arquitectura) una compilación sobre Xenakis. Hablaba de los páneles ondulatorios de vidrio que había creado para Le Corbusier, para generar un ritmo visual en los edificios. Los usó en La Tourette por primera vez.

Boceto con ritmo. Aunque a primera vista no sepamos sentirlo.

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La Tourette.

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http://www.iannis-xenakis.org/images/archi/IXdevant%20tourette.jpg

La arquitectura es música congelada - Goethe.

miércoles, 14 de abril de 2010

Proyecto Experimental

En el LENGUAJE se cuenta con:
La unidad mínima de significado que son las PALABRAS que a su vez están formadas por LETRAS. (27 de ellas forman el ABECEDARIO).

Estas PALABRAS pueden dividirse en:
SUSTANTIVOS. ADJETIVOS. VERBOS. ADVERBIOS. PREPOSICIONES. CONJUNCIONES.

El LENGUAJE sirve para COMUNICAR. EXPRESAR. OPINAR. CRITICAR.

Debido a las evidentes diferencias entre la palabra y la imagen no se puede realizar una traducción directa de un medio al otro, pues deben de respetarse las particularidades de ambos lenguajes. Se especificaran las reglas que afecten de manera directa a la forma de la imagen, pero se dejará abierta la inmensa gama de posibiles tipos de objetos a fotografiar. Se entenderá que lo fotografiado (en específico) funcionará como lenguaje "no verbal", que es facil de identificar pero debido a la inmensa variedad del mismo, no es necesario especificar cada posibilidad. Es decir se delimitará si debe ser una silla, pero la silla a escoger (si es vieja, grande, bonita, etc.) quedará abierto.

En el VIDEO EXPERIMENTAL:
La unidad mínima de significado será la propia IMAGEN y se verá compuesto por los elementos de la misma

COLORES. (ROJO. AZUL. VERDE. AMARILLO. NEGRO. BLANCO)

TAMAÑOS DE ENCUADRE. (C.U. M.S. F.S. L.S.)

POSICIÓN DE LA CÁMARA. (FRONTAL. PICADA. CONTRA-PICADA.)

MOVIMIENTOS DE CÁMARA. (PAN LEFT. PAN RIGHT. TILT UP. TILT DOWN. ZOOM IN. ZOOM OUT.)

Utilizando los elementos anteriores podremos crear algo parecido a los sustantivos, adjetivos, verbos, adverbios, conjunciones y preposiciones. Una imagen puede tener muchos colores a la vez o ser monocromática, ser fija o estar en movimiento, revelar en donde se posicionó la cámara o esconderlo, y tener varios encuadres debido al mismo movimiento o tan sólo uno. Por lo anterior se tendrá que crear una relación imagen-significado a manera de diccionario pero un tanto más general.

Ejemplo: Una imagen predominantemente roja en L.S. con un movimiento zoom-in (o dolly-in) significa "querer". Un close-up de cualquier parte del cuerpo, monocromática y sin movimiento alguno representa "yo" (si fuera a color sería "tú"). Un full-shot en picada (una persona en monocroma= él o el, muchas personas en monocroma = ellos o esos. y en colores para el femenino). Un Medium Shot frontal en blanco con pan-left, sigificará el objeto fotografiado tal cual.

EJEMPLO VISUAL de IMAGENES aceptadas (la idea es que sean imágenes en movimiento, pero por practicidad los ejemplos están dados en foto fija):

http://farm4.static.flickr.com/3365/3563888086_5a73a5e771.jpghttp://www.decopasion.com/temas/colores_extreme/colores-bruguer_rojohttp://www.taller-arquitectura.com/blog/wp-content/uploads/2009/02/le_corbusier.jpghttp://kirartnet.files.wordpress.com/2009/05/star-wars-2.jpg

Los anteriores son tan sólo unos ejemplos, pero se podrían llegar a generar tantas imagenes como palabras existen (por su naturaleza, incluso más.) pero por el momento tan sólo era intentar entender la idea.


En cuanto al video experimental, el reto será lograr articular las siguientes frases:

"What do you want meaning for? life is a desire not a meaning." Chaplin (Calvero a Terry en Limelight)

"La explicación es un error bien vestido." Cortazar (Rayuela)


ESCALETA:

Se iniciará formando una frase de manera lenta para que el espectador tenga tiempo de registrar cada imagen en su memoria, así como su orden.

Negros.

Se formará la segunda frase de manera lenta también.

Negros.

La primera frase otra vez pero el doble de rápido.

Negros.

La segunda frase también al doble de velocidad.

Negros.

La primera frase más rápido y al terminar la última imágen ir de regreso a la primera, después de vuelta a la última y continuar (con tan sólo un cuadro negro de separación) con la segunda frase y en su última imágen volver hasta la primera y de vuelta al final ya sin cuadro intermedio.

Negros.

Mostrar las imágenes de manera revuelta y sin orden a gran velocidad.

Negros.

Mostrar todas las imágenes de la primera frase en un mismo tiempo en la pantalla, mientras se escucha la frase en voz en off. Lo mismo con la segunda frase.

Negros.

Otra vez las imágenes revueltas y sin orden pero esta vez acompañadas de la voz en off que va diciendo las palabras que representan cada imagen. Ir subiendo la velocidad hasta terminar con una explosión de imágenes y sonidos ya sin sentido.

Negros.

Fin.

Zerkalo sin sonido

Ver El Espejo sin sonido es toda una experiencia. En general creo que la narrativa se fragmenta casi en su totalidad. Es distinto. No puedo decir que la película pierda tal cual, porque creo que al quitarle el sonido se le agrega una tercera dimensión a la imagen, en la que se facilita la percepción de la profundidad en ciertos movimientos de cámara, o en los rostros de los actores, o en el detalle del decorado. Guarda otro nivel de lectura, la película, cuando se le mira en silencio.

La segunda secuencia, con el tartamudo, al no escucharse que es tartamudo, da la impresión de que se trata de un chico poseído.

https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOTIK-dkhjniEChh8WwfacLGNdSa1I5gSXZwb8bYmwfrih434DIkoar1xQSlCelzrjPKlIE2rl-9I_bD8TnNAuEgEOmxjRIiHEon2D_81mvEqpExcgfNOEkTBQFw2hKXVIs-ppZxsDNBw/s400/01.png

En otras secuencias uno encuentra relaciones visuales que antes habían pasado desapercibidas, por ejemplo vínculos motrices entre dos imágenes o transiciones de una mano a otra mano, de huída a huída, de mirada a mirada, en dos secuencias distintas. Sin embargo esta misma secuencia gana mucho cuando se entabla la discusión entre las dos mujeres, ya que uno al no estar escuchando el diálogo, tiene que concentrarse en su totalidad en las expresiones de los rostros y creo que las actuaciones de ambas son espectaculares y sinceramente no lo había sabido apreciar hasta esta ocasión.

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Creo que la falta de poemas no hacen menos poéticas a las imágenes, inclusive tal vez las liberan un poco y eso me gusta. Aunque la secuencia de los soldados se hace demasiado larga sin el poema.

En ocasiones, uno creyera escuchar los ruidos ambientales, los diálogos, pero por lo general se hace más evidente la disociasión que existe entre el sonido y la imagen dentro de la película.

Se vuelve más sencillo apreciar algunos errores, como sombras, cortes falsos o escondidos, fueras de foco, flares, porque no existe esta atmósfera que tan bien sabe crear Artemiev y que nos envuelve completa y absolutamente, evitando así que estemos constantemente analizando la película formalmente con demasiado detenimiento.

Algunas secuencias, como la de la imprenta, pierden un poco, porque sonoramente son alucinantes y se siente que falta eso cuando uno las mira.

Cuando la chica baila flamenco, sin sonido, no se nota que lo que este bailando sea flamenco, uno entiende mejor porque el papá le pega.

En la última secuencia sí extrañé a Bach.

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The Devils de Ken Russell

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Esta Semana Santa me tocó estar en Murcia y ver las procesiones. Yo había visto ya varias procesiones en México pero nada podía prepararme para lo que iba a ver esas noches murcianas. Iba con mi hermano caminando, pero no me avisó, simplemente de repente nos encontramos con el paso bloqueado.



Se desprende una energía muy particular de este tipo de rituales religiosos. Es la obscuridad, el sonido de los tambores, la gente disfrazada al estilo kukuxklan. Seguro que los murcianos están acostumbrados, pero verlo ahí por primera vez es aterrador, se impone de una manera que no sabes que hacer. La procesión más impactante fue la del silencio. No puedo describir lo que sentí al verlos marchar, la gente sin decir nada, sólo viéndolos pasar al ritmo de los tambores. Las religiones y sus rituales tienen eso, generan atmósferas mágicas que después uno no puede poner en palabras. The Devils se burla de eso y no sé, no es que yo sea católica ni creyente, pero sí hubo una parte de mí que se molestó con algunas escenas y que agradeció no tener que terminarla. Creo que hay que respetar las distintas creencias y no me quiero poner toda moralista pero hay maneras de criticar y de decir las cosas en general y creo que siempre hay que tener como objetivo principal el aportar algo, el crear algo. Creo que eso le falta a The Devil's, sólo se burla por burlarse, porque yo no le vi la parte constructiva.

Punishment Park de Peter Watkins

punishment-park-desert-hell1.jpg image by The_Daemon

Un falso documental muy bien logrado. Serio. Realista. Crítico. Colores deslavados y arenosos. Expresiones de angustia y desesperación, de coraje contenido, de rabia controlada. El desierto como locación. El clima árido, igual que la situación. El parque del desierto. Provoca la misma desesperación de argumentar y toparte con pared. De encontrarte impotente ante el abuso de poder por parte de la autoridad y a veces no hay nada que se pueda hacer porque el sistema es el sistema y siempre gana las batallas. Cuando se constituye un sistema, sucede algo muy extraño, el sistema deja de ser cada hombre que está sumado dentro del sistema, para convertirse en una potencia de todos los hombres juntos dentro del sistema. Es como si el sistema obtuviera un “plus”, imposible de definir o señalar, algo así como un “alma” propia, que le otorgara un poder mayor a aquel que los propios seres humanos fueran capaces de cederle. Este “plus” al que me refiero tiene más que ver con la imagen que se crea del concepto “sistema” que con el sistema en sí. Esta relación sistema-seres humanos me recuerda a una película y a un libro/película en particular: Brazil y El Proceso. En estos dos ejemplos, tanto Lowry como K intentan escapar del sistema al igual que los personajes de Punishment Park. Me gustaría copy-pastear un fragmento de un ensayo que armé hace rato sobre el tema debido a su relación con la película:

"A mi modo de ver, la parte más importante de ambas obras consiste en el instante anterior a que K y Lowry sean aniquilados. Es justo en ese momento que la fuerza de los personajes se ve revelada y aunque parezca ya no tener ningún sentido, en realidad es la parte más importante, pues funciona como metáfora del “rayito de luz esperanzador”. En el caso de la novela de Kafka, lo último que cruza por la mente de K es lamentarse el no haber sido capaz de terminar con su vida él mismo. En realidad lo que quiere es recuperar su dignidad, es no tener que irse con el amargo sabor a vencido, al otro mundo. Quiere sentir que al final logró vencer al sistema, pues al quitarse la vida priva al sistema del gozo de ejercer su poder sobre él, vuelve inútil al sistema y se burla de él adelantándose a su jugada. En el caso de Brasil, Lowry logra de una mejor manera vencer al sistema, pues tiene la capacidad de literalmente escapar de él a través de la locura. Cuando una persona ha perdido contacto con la realidad el sistema deja de tener injerencia sobre ella, pues ya no juega bajo las mismas reglas. De esta manera vuelve, una vez más, obsoleto al sistema."

Hollis Frampton

Maxwell's demon

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Un personaje haciendo movimientos. Repitiendo. Repitiendo. Repitiendo. Y el movimiento en especie de loop genera un ritmo para la vista tan sutil que sin darse cuenta uno empieza a disfrutarlo y a sentirse atraído a él. Y es curioso que algo que podría imaginarse tan monótono en una primera instancia, termine siendo tan "placentero" por así decirlo. No sé si sólo me pase a mí, pero he descubierto que tengo una extraña fascinación por los loops, me encantan, no me aburren ni me desesperan, siento que despiertan otro estado de consciencia pero es dificil de explicarlo. Generan una tranquilidad muy particular, igual que la idea del eterno retorno de Nietzsche, esa idea de estar "condenado" a repetir las mismas acciones que has repetido, por el resto de la eternidad, como si la eternidad se pudiera reducir a un loop y creo que esa es la única manera en la que puedo concebir un concepto tan abstracto como el de la eternidad, porque si lo limitamos en acciones ya sólo queda el tiempo y ese es sencillo de imaginar cuando ya se sabe como se comporta. La vida eterna, ¿cómo se llena eso? El tiempo eterno se puede llenar fácilmente con un loop y ya está, no hay mucho más que pensar, es la solución sencilla y supongo que por eso tranquiliza.



Lemon

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Me sucedió algo muy curioso con este corto. Yo veía el limón y me parecía que estaba muy bien iluminado y que se veía realmente hermoso y comencé a pensar en Ponge y en Estar departe de las cosas y en los ejercicios que nos pedían realizar en primer semetre, en los que tenías que traer imágenes de objetos cotidianos en los que los hicieras verse hermoso y pensaba en cómo jamás llegué a entender qué era lo que se nos pedía y en lo bien que hubiera comprendido si me hubieran puesto un ejercicio como este, porque al final tan sólo era un limón pero ¡qué manera de hacerlo verse hermoso! Y estaba pensando lo anterior y no me daba cuenta que la luz cambiaba y no sé cómo sucedió eso, pero yo noté el cambio de luz hasta que el limón había desaparecido casi completamente. Esta situación me sorprendió y entonces puse atención a las imágenes y quería ver ese cambio de luz y no perderme nada y vi la luz regresar, pero yo tan sólo pensaba en el genio de Frampton y en la maravillosa idea y en la posibilidad de crear dos imágenes tan distintinas y ambas tan hermosas tan sólo a base de luz y contraluz. Vaya yo estaba fascinada con todo lo que sucedía y tal vez por eso jamás noté la alusión al seno de la mujer, yo siempre lo vi más como una luna y un sol y el poder ver su relación de manera más comprensible.



Critical Mass

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El lenguaje. Designificado. Desestructurado. Comienza el "diálogo" con un fondo negro y los ritmos empiezan a suceder. Y me recuerda a Pocos Cocodrilos de Mathias Goeritz. Normalmente uno se concentra tanto en el significado de las palabras que deja de escuchar su ritmo, su sonorización. Cuando uno escucha a alguien hablar un idioma que desconoce, entonces puede concentrarse en los sonidos, pero siendo un idioma que uno conoce y habla, lograrlo es mucho más complicado. Eugène Ionesco también juega con esto en La Cantante Calva, en su secuencia final. Y el lenguaje es una cosa muy compleja, pero hay más en él que significado, hay forma y siempre es bueno que haya autores dispuestos a recordárnoslo. Sería interesante realizar un ejercicio en el que sin el apoyo de loops o palabras inventadas, uno sea capaz de escuchar tan sólo la forma y olvidarse del contenido. Tanto como poder ver letras sin leerlas ya sabiendo leer.



Winter Solstice

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Un poema visual. Se vuelve en una experiencia similiar a la de mirar una fogata sólo por el gusto de mirarla. En realidad uno no espera nada de mirarla pero siempre pasan cosas cuando uno mira. El fuego ardiendo y sus colores, su ritmo, su falta de materialidad, su fragilidad, su fuerza, su presencia, sus constantes cambios, su textura. Toda nuestra relación con él y su importancia en nuestra historia, el parteaguas de pasar de no poder a poder "hacer" fuego. Sentir que lo dominamos, que lo controlamos, que nosotros tenemos la decisión de darle vida o de matarlo. Al final termina siendo la misma ilusión que es el pensar que somos capaces de capturar al movimiento. El fuego existe antes y después que nosotros. También el movimiento.




Ordinary Mater

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Un recorrido mirando al suelo. Una voz masculina que vocaliza palabras monosilábicas inventadas con eco. Una cámara picada medio angulada que avanza de manera intermitente. Pasto, tierra. Lo que más llama la atención es el movimiento, tan anti-natural, tan esquizofrénico. Muy posmoderno. Una cámara que no es sólo esa cámara sino que quiere serlas todas al mismo tiempo y capturar el mismo instante desde distintas posiciones. Un movimiento que no se puede distinguir si va hacia adelante o hacia atrás, que sólo brinca sin importar a donde, que lo conecta todo, una especie de Rizoma en el que no importa que estuvo primero y que vino después porque todo es parte de la misma imagen.



Artifical Light x20


Este corto me recuerda un poco a lo que es hoy en día el estudio. Pasa tanto al mismo tiempo que no sabes a que cuadro ponerle atención porque todos destellan buscando llamar la atención y si los miras todos al mismo tiempo tienes una idea general de lo que pasa pero te pierdes los detalles y si te concentras tan sólo en uno sabes exactamente de qué manera y cuántas veces cambió pero no puedes hablar del resto. Así me siento yo a veces con el estudio de las cosas, son esas ganas de querer saberlo todo y picar de todo un poco para darte cuenta que al final realmente no puedes hablar de nada o concentrarte tan sólo en un tema o en un autor y olvidarte de tantas otras cosas. Seguro que se puede encontrar el balance, sólo me cuesta mucho trabajo entender cómo es que se logra.

Star Spangled to Death de Ken Jacobs

Secuencias enteras casi sin editar. Me gusta la responsabilidad que se le confiere al espectador. Resulta complicado no quedar absorto ante las imágenes, cual si uno tan sólo se encontrara viendo un simple programa de televisión y lograr descubrir el fondo sustancial del discurso proyectado. Si se analiza es evidente la crítica, tal vez ese es el punto en el que ya no me gusta. Uno se ríe y la pasa bien porque no es una película que cueste trabajo digerir y porque no es un requisito del cine con discurso, el ser denso.

Me llamó mucho la atención la parte del changuito y como demuestra que necesita sentirse protegido antes que querido, creo que es una declaración muy fuerte y dificil de aceptar.

"Lo que viene a la mente sólo lleva a ser de verdad , mi paeecer - mi proyecto - después de haber sido controlado, aceptado, adoptado al menos de manera provisional, y destinado a una elaboración, o a una preservación, o a una aplicación - -
De manera que lo que aqui escribo está a veces escrito no como mi sino como pensamiento posible que será mío, o no será mío, y eliminado.
Es únicamente el juez de esas llegadas el que se puede criticar en un autor."
Paul Valéry en sus Cuadernos (1917, Espíritu, VI, 563)

Parece sencillo hacer una película con material apropiado, o poco discursivo, pero ¿por qué esas imágenes en lugar de las otras? ¿por qué ese tema en lugar de aquel? ¿por qué cortar aqui? ¿por qué dejar aquello? Es complicado criticar una pieza así, todo el material que no fue usado pero que pudo haberlo sido quedó eliminado del corte final y ese pensamiento siempre abruma. Saber que el resto del mundo estaba ahí para ser escogido, el resto de las opciones que nunca dejan de aparecer, y Ken Jacobs tomó sus decisiones, buenas decisiones, lo que no quita que pudieron haber sido mejores.