Proyecto Experimental

En el LENGUAJE se cuenta con:
La unidad mínima de significado que son las PALABRAS que a su vez están formadas por LETRAS. (27 de ellas forman el ABECEDARIO).

Estas PALABRAS pueden dividirse en:
SUSTANTIVOS. ADJETIVOS. VERBOS. ADVERBIOS. PREPOSICIONES. CONJUNCIONES.

El LENGUAJE sirve para COMUNICAR. EXPRESAR. OPINAR. CRITICAR.

Debido a las evidentes diferencias entre la palabra y la imagen no se puede realizar una traducción directa de un medio al otro, pues deben de respetarse las particularidades de ambos lenguajes. Se especificaran las reglas que afecten de manera directa a la forma de la imagen, pero se dejará abierta la inmensa gama de posibiles tipos de objetos a fotografiar. Se entenderá que lo fotografiado (en específico) funcionará como lenguaje "no verbal", que es facil de identificar pero debido a la inmensa variedad del mismo, no es necesario especificar cada posibilidad. Es decir se delimitará si debe ser una silla, pero la silla a escoger (si es vieja, grande, bonita, etc.) quedará abierto.

En el VIDEO EXPERIMENTAL:
La unidad mínima de significado será la propia IMAGEN y se verá compuesto por los elementos de la misma

COLORES. (ROJO. AZUL. VERDE. AMARILLO. NEGRO. BLANCO)

TAMAÑOS DE ENCUADRE. (C.U. M.S. F.S. L.S.)

POSICIÓN DE LA CÁMARA. (FRONTAL. PICADA. CONTRA-PICADA.)

MOVIMIENTOS DE CÁMARA. (PAN LEFT. PAN RIGHT. TILT UP. TILT DOWN. ZOOM IN. ZOOM OUT.)

Utilizando los elementos anteriores podremos crear algo parecido a los sustantivos, adjetivos, verbos, adverbios, conjunciones y preposiciones. Una imagen puede tener muchos colores a la vez o ser monocromática, ser fija o estar en movimiento, revelar en donde se posicionó la cámara o esconderlo, y tener varios encuadres debido al mismo movimiento o tan sólo uno. Por lo anterior se tendrá que crear una relación imagen-significado a manera de diccionario pero un tanto más general.

Ejemplo: Una imagen predominantemente roja en L.S. con un movimiento zoom-in (o dolly-in) significa "querer". Un close-up de cualquier parte del cuerpo, monocromática y sin movimiento alguno representa "yo" (si fuera a color sería "tú"). Un full-shot en picada (una persona en monocroma= él o el, muchas personas en monocroma = ellos o esos. y en colores para el femenino). Un Medium Shot frontal en blanco con pan-left, sigificará el objeto fotografiado tal cual.

EJEMPLO VISUAL de IMAGENES aceptadas (la idea es que sean imágenes en movimiento, pero por practicidad los ejemplos están dados en foto fija):



Los anteriores son tan sólo unos ejemplos, pero se podrían llegar a generar tantas imagenes como palabras existen (por su naturaleza, incluso más.) pero por el momento tan sólo era intentar entender la idea.


En cuanto al video experimental, el reto será lograr articular las siguientes frases:

"What do you want meaning for? life is a desire not a meaning." Chaplin (Calvero a Terry en Limelight)

"La explicación es un error bien vestido." Cortazar (Rayuela)


ESCALETA:

Se iniciará formando una frase de manera lenta para que el espectador tenga tiempo de registrar cada imagen en su memoria, así como su orden.

Negros.

Se formará la segunda frase de manera lenta también.

Negros.

La primera frase otra vez pero el doble de rápido.

Negros.

La segunda frase también al doble de velocidad.

Negros.

La primera frase más rápido y al terminar la última imágen ir de regreso a la primera, después de vuelta a la última y continuar (con tan sólo un cuadro negro de separación) con la segunda frase y en su última imágen volver hasta la primera y de vuelta al final ya sin cuadro intermedio.

Negros.

Mostrar las imágenes de manera revuelta y sin orden a gran velocidad.

Negros.

Mostrar todas las imágenes de la primera frase en un mismo tiempo en la pantalla, mientras se escucha la frase en voz en off. Lo mismo con la segunda frase.

Negros.

Otra vez las imágenes revueltas y sin orden pero esta vez acompañadas de la voz en off que va diciendo las palabras que representan cada imagen. Ir subiendo la velocidad hasta terminar con una explosión de imágenes y sonidos ya sin sentido.

Negros.

Fin.

Zerkalo sin sonido

Ver El Espejo sin sonido es toda una experiencia. En general creo que la narrativa se fragmenta casi en su totalidad. Es distinto. No puedo decir que la película pierda tal cual, porque creo que al quitarle el sonido se le agrega una tercera dimensión a la imagen, en la que se facilita la percepción de la profundidad en ciertos movimientos de cámara, o en los rostros de los actores, o en el detalle del decorado. Guarda otro nivel de lectura, la película, cuando se le mira en silencio.

La segunda secuencia, con el tartamudo, al no escucharse que es tartamudo, da la impresión de que se trata de un chico poseído.



En otras secuencias uno encuentra relaciones visuales que antes habían pasado desapercibidas, por ejemplo vínculos motrices entre dos imágenes o transiciones de una mano a otra mano, de huída a huída, de mirada a mirada, en dos secuencias distintas. Sin embargo esta misma secuencia gana mucho cuando se entabla la discusión entre las dos mujeres, ya que uno al no estar escuchando el diálogo, tiene que concentrarse en su totalidad en las expresiones de los rostros y creo que las actuaciones de ambas son espectaculares y sinceramente no lo había sabido apreciar hasta esta ocasión.



Creo que la falta de poemas no hacen menos poéticas a las imágenes, inclusive tal vez las liberan un poco y eso me gusta. Aunque la secuencia de los soldados se hace demasiado larga sin el poema.

En ocasiones, uno creyera escuchar los ruidos ambientales, los diálogos, pero por lo general se hace más evidente la disociasión que existe entre el sonido y la imagen dentro de la película.

Se vuelve más sencillo apreciar algunos errores, como sombras, cortes falsos o escondidos, fueras de foco, flares, porque no existe esta atmósfera que tan bien sabe crear Artemiev y que nos envuelve completa y absolutamente, evitando así que estemos constantemente analizando la película formalmente con demasiado detenimiento.

Algunas secuencias, como la de la imprenta, pierden un poco, porque sonoramente son alucinantes y se siente que falta eso cuando uno las mira.

Cuando la chica baila flamenco, sin sonido, no se nota que lo que este bailando sea flamenco, uno entiende mejor porque el papá le pega.

En la última secuencia sí extrañé a Bach.

The Devils de Ken Russell

Esta Semana Santa me tocó estar en Murcia y ver las procesiones. Yo había visto ya varias procesiones en México pero nada podía prepararme para lo que iba a ver esas noches murcianas. Iba con mi hermano caminando, pero no me avisó, simplemente de repente nos encontramos con el paso bloqueado.



Se desprende una energía muy particular de este tipo de rituales religiosos. Es la obscuridad, el sonido de los tambores, la gente disfrazada al estilo kukuxklan. Seguro que los murcianos están acostumbrados, pero verlo ahí por primera vez es aterrador, se impone de una manera que no sabes que hacer. La procesión más impactante fue la del silencio. No puedo describir lo que sentí al verlos marchar, la gente sin decir nada, sólo viéndolos pasar al ritmo de los tambores. Las religiones y sus rituales tienen eso, generan atmósferas mágicas que después uno no puede poner en palabras. The Devils se burla de eso y no sé, no es que yo sea católica ni creyente, pero sí hubo una parte de mí que se molestó con algunas escenas y que agradeció no tener que terminarla. Creo que hay que respetar las distintas creencias y no me quiero poner toda moralista pero hay maneras de criticar y de decir las cosas en general y creo que siempre hay que tener como objetivo principal el aportar algo, el crear algo. Creo que eso le falta a The Devil's, sólo se burla por burlarse, porque yo no le vi la parte constructiva.

Punishment Park de Peter Watkins

Un falso documental muy bien logrado. Serio. Realista. Crítico. Colores deslavados y arenosos. Expresiones de angustia y desesperación, de coraje contenido, de rabia controlada. El desierto como locación. El clima árido, igual que la situación. El parque del desierto. Provoca la misma desesperación de argumentar y toparte con pared. De encontrarte impotente ante el abuso de poder por parte de la autoridad y a veces no hay nada que se pueda hacer porque el sistema es el sistema y siempre gana las batallas. Cuando se constituye un sistema, sucede algo muy extraño, el sistema deja de ser cada hombre que está sumado dentro del sistema, para convertirse en una potencia de todos los hombres juntos dentro del sistema. Es como si el sistema obtuviera un “plus”, imposible de definir o señalar, algo así como un “alma” propia, que le otorgara un poder mayor a aquel que los propios seres humanos fueran capaces de cederle. Este “plus” al que me refiero tiene más que ver con la imagen que se crea del concepto “sistema” que con el sistema en sí. Esta relación sistema-seres humanos me recuerda a una película y a un libro/película en particular: Brazil y El Proceso. En estos dos ejemplos, tanto Lowry como K intentan escapar del sistema al igual que los personajes de Punishment Park. Me gustaría copy-pastear un fragmento de un ensayo que armé hace rato sobre el tema debido a su relación con la película:

"A mi modo de ver, la parte más importante de ambas obras consiste en el instante anterior a que K y Lowry sean aniquilados. Es justo en ese momento que la fuerza de los personajes se ve revelada y aunque parezca ya no tener ningún sentido, en realidad es la parte más importante, pues funciona como metáfora del “rayito de luz esperanzador”. En el caso de la novela de Kafka, lo último que cruza por la mente de K es lamentarse el no haber sido capaz de terminar con su vida él mismo. En realidad lo que quiere es recuperar su dignidad, es no tener que irse con el amargo sabor a vencido, al otro mundo. Quiere sentir que al final logró vencer al sistema, pues al quitarse la vida priva al sistema del gozo de ejercer su poder sobre él, vuelve inútil al sistema y se burla de él adelantándose a su jugada. En el caso de Brasil, Lowry logra de una mejor manera vencer al sistema, pues tiene la capacidad de literalmente escapar de él a través de la locura. Cuando una persona ha perdido contacto con la realidad el sistema deja de tener injerencia sobre ella, pues ya no juega bajo las mismas reglas. De esta manera vuelve, una vez más, obsoleto al sistema."

Hollis Frampton

Maxwell's demon



Un personaje haciendo movimientos. Repitiendo. Repitiendo. Repitiendo. Y el movimiento en especie de loop genera un ritmo para la vista tan sutil que sin darse cuenta uno empieza a disfrutarlo y a sentirse atraído a él. Y es curioso que algo que podría imaginarse tan monótono en una primera instancia, termine siendo tan "placentero" por así decirlo. No sé si sólo me pase a mí, pero he descubierto que tengo una extraña fascinación por los loops, me encantan, no me aburren ni me desesperan, siento que despiertan otro estado de consciencia pero es dificil de explicarlo. Generan una tranquilidad muy particular, igual que la idea del eterno retorno de Nietzsche, esa idea de estar "condenado" a repetir las mismas acciones que has repetido, por el resto de la eternidad, como si la eternidad se pudiera reducir a un loop y creo que esa es la única manera en la que puedo concebir un concepto tan abstracto como el de la eternidad, porque si lo limitamos en acciones ya sólo queda el tiempo y ese es sencillo de imaginar cuando ya se sabe como se comporta. La vida eterna, ¿cómo se llena eso? El tiempo eterno se puede llenar fácilmente con un loop y ya está, no hay mucho más que pensar, es la solución sencilla y supongo que por eso tranquiliza.



Lemon



Me sucedió algo muy curioso con este corto. Yo veía el limón y me parecía que estaba muy bien iluminado y que se veía realmente hermoso y comencé a pensar en Ponge y en Estar departe de las cosas y en los ejercicios que nos pedían realizar en primer semetre, en los que tenías que traer imágenes de objetos cotidianos en los que los hicieras verse hermoso y pensaba en cómo jamás llegué a entender qué era lo que se nos pedía y en lo bien que hubiera comprendido si me hubieran puesto un ejercicio como este, porque al final tan sólo era un limón pero ¡qué manera de hacerlo verse hermoso! Y estaba pensando lo anterior y no me daba cuenta que la luz cambiaba y no sé cómo sucedió eso, pero yo noté el cambio de luz hasta que el limón había desaparecido casi completamente. Esta situación me sorprendió y entonces puse atención a las imágenes y quería ver ese cambio de luz y no perderme nada y vi la luz regresar, pero yo tan sólo pensaba en el genio de Frampton y en la maravillosa idea y en la posibilidad de crear dos imágenes tan distintinas y ambas tan hermosas tan sólo a base de luz y contraluz. Vaya yo estaba fascinada con todo lo que sucedía y tal vez por eso jamás noté la alusión al seno de la mujer, yo siempre lo vi más como una luna y un sol y el poder ver su relación de manera más comprensible.



Critical Mass

El lenguaje. Designificado. Desestructurado. Comienza el "diálogo" con un fondo negro y los ritmos empiezan a suceder. Y me recuerda a Pocos Cocodrilos de Mathias Goeritz. Normalmente uno se concentra tanto en el significado de las palabras que deja de escuchar su ritmo, su sonorización. Cuando uno escucha a alguien hablar un idioma que desconoce, entonces puede concentrarse en los sonidos, pero siendo un idioma que uno conoce y habla, lograrlo es mucho más complicado. Eugène Ionesco también juega con esto en La Cantante Calva, en su secuencia final. Y el lenguaje es una cosa muy compleja, pero hay más en él que significado, hay forma y siempre es bueno que haya autores dispuestos a recordárnoslo. Sería interesante realizar un ejercicio en el que sin el apoyo de loops o palabras inventadas, uno sea capaz de escuchar tan sólo la forma y olvidarse del contenido. Tanto como poder ver letras sin leerlas ya sabiendo leer.

Winter Solstice



Un poema visual. Se vuelve en una experiencia similiar a la de mirar una fogata sólo por el gusto de mirarla. En realidad uno no espera nada de mirarla pero siempre pasan cosas cuando uno mira. El fuego ardiendo y sus colores, su ritmo, su falta de materialidad, su fragilidad, su fuerza, su presencia, sus constantes cambios, su textura. Toda nuestra relación con él y su importancia en nuestra historia, el parteaguas de pasar de no poder a poder "hacer" fuego. Sentir que lo dominamos, que lo controlamos, que nosotros tenemos la decisión de darle vida o de matarlo. Al final termina siendo la misma ilusión que es el pensar que somos capaces de capturar al movimiento. El fuego existe antes y después que nosotros. También el movimiento.




Ordinary Mater



Un recorrido mirando al suelo. Una voz masculina que vocaliza palabras monosilábicas inventadas con eco. Una cámara picada medio angulada que avanza de manera intermitente. Pasto, tierra. Lo que más llama la atención es el movimiento, tan anti-natural, tan esquizofrénico. Muy posmoderno. Una cámara que no es sólo esa cámara sino que quiere serlas todas al mismo tiempo y capturar el mismo instante desde distintas posiciones. Un movimiento que no se puede distinguir si va hacia adelante o hacia atrás, que sólo brinca sin importar a donde, que lo conecta todo, una especie de Rizoma en el que no importa que estuvo primero y que vino después porque todo es parte de la misma imagen.



Artifical Light x20


Este corto me recuerda un poco a lo que es hoy en día el estudio. Pasa tanto al mismo tiempo que no sabes a que cuadro ponerle atención porque todos destellan buscando llamar la atención y si los miras todos al mismo tiempo tienes una idea general de lo que pasa pero te pierdes los detalles y si te concentras tan sólo en uno sabes exactamente de qué manera y cuántas veces cambió pero no puedes hablar del resto. Así me siento yo a veces con el estudio de las cosas, son esas ganas de querer saberlo todo y picar de todo un poco para darte cuenta que al final realmente no puedes hablar de nada o concentrarte tan sólo en un tema o en un autor y olvidarte de tantas otras cosas. Seguro que se puede encontrar el balance, sólo me cuesta mucho trabajo entender cómo es que se logra.

Star Spangled to Death de Ken Jacobs

Secuencias enteras casi sin editar. Me gusta la responsabilidad que se le confiere al espectador. Resulta complicado no quedar absorto ante las imágenes, cual si uno tan sólo se encontrara viendo un simple programa de televisión y lograr descubrir el fondo sustancial del discurso proyectado. Si se analiza es evidente la crítica, tal vez ese es el punto en el que ya no me gusta. Uno se ríe y la pasa bien porque no es una película que cueste trabajo digerir y porque no es un requisito del cine con discurso, el ser denso.

Me llamó mucho la atención la parte del changuito y como demuestra que necesita sentirse protegido antes que querido, creo que es una declaración muy fuerte y dificil de aceptar.

"Lo que viene a la mente sólo lleva a ser de verdad , mi paeecer - mi proyecto - después de haber sido controlado, aceptado, adoptado al menos de manera provisional, y destinado a una elaboración, o a una preservación, o a una aplicación - -
De manera que lo que aqui escribo está a veces escrito no como mi sino como pensamiento posible que será mío, o no será mío, y eliminado.
Es únicamente el juez de esas llegadas el que se puede criticar en un autor."
Paul Valéry en sus Cuadernos (1917, Espíritu, VI, 563)

Parece sencillo hacer una película con material apropiado, o poco discursivo, pero ¿por qué esas imágenes en lugar de las otras? ¿por qué ese tema en lugar de aquel? ¿por qué cortar aqui? ¿por qué dejar aquello? Es complicado criticar una pieza así, todo el material que no fue usado pero que pudo haberlo sido quedó eliminado del corte final y ese pensamiento siempre abruma. Saber que el resto del mundo estaba ahí para ser escogido, el resto de las opciones que nunca dejan de aparecer, y Ken Jacobs tomó sus decisiones, buenas decisiones, lo que no quita que pudieron haber sido mejores.

Stan Brakhage

Mothlight



Luz de palomilla. La idea es grande y me recuerda a Deleuze con su idea de desterritorializarlo todo. Creo que el arte es eso: Aquello que está constantemente desterritorializando y reterritorializándose a sí mismo. El arte tiene tantos problemas para ser definido porque en realidad su escencia se basa en la imposibilidad de ser limitado, pues su territorio está constantemente cambiando. El arte rompe fronteras, abre horizontes, se mueve a donde la gente jamás esperaría encontrarlo, por eso siempre cuesta tanto trabajo aceptar el arte que nos es contemporaneo como arte, porque para eso existe, sino sería puro entretenimiento, como lo es hoy en día el cine en carteleras. Brakhage no se queda con las convenciones, desmiente los supuestos límites del formato y se atreve a darle una nueva dimensión al cine basada en la textura del material utilizada, porque es algo que se mira y que tal vez ya no se aprecie tan fácilmente debido al video, pero que siendo proyectado en su versión original debe de haber sido brutal y eso me hace recordar a la exposición "Monet y la Abstracción" que vi hace unos días en el Thyssen en Madrid, en la que había un par de Pollocks y surgen estas ganas de tocar las pinturas cuando uno las mira, porque esa textura las hace vibrar y algo pasa con esas texturas que también sucede con Brakhage y la relación es obvia pero siempre se siente mejor corroborarla en persona ya sabiendo lo que se intenta encontrar. Hermoso paralelismo entre dos grandes artistas.



Glaze of Cathexis



Formas, colores, movimiento, sensaciones en el tiempo. Tanto como ver las visceras de un ser humano saltar de un lado a otro mientras sus ojos miran por primera vez, después de una larga espera, a esa persona que revuelve todo, eso pasa. Es como si Stan Brakhage hubiera logrado plasmar en pantalla lo que en su momento tan sólo se podía experimentar a través de sensaciones viscerales. El ritmo, la falta de sonido, la posibilidad de simplemente mirar por el gusto de mirar, que tan rara vez hacemos.



Window Water Baby Moving



Resulta impresionante que un video que normalmente sería tan íntimo pueda llegar a ser una pieza tan universalmente alucinante, gracias a lo emocionalmente involucrado que se encontraba Brakhage mientras filmaba. Recuerdo haber mirado varios videos de partos de pequeña, pero jamás recuerdo haber salido tan impactada y la diferencia es que no se mira con la objetividad de un doctor que realiza su trabajo, una vez más, sino como padre primerizo que no logra sostener la cámara de los nervios y de la emoción y todas esas sensaciones permean el negativo y uno se vuelve el mismo padre viviendo por primera vez el nacimiento del hijo que es a su vez el que lo vuelve padre. Me fascino el cortometraje. Me pareció tierno, sincero, brutal, torpemente apasionado y extremadamente poético. Lo que se cuenta va más allá de un niño naciendo, es la experiencia lo que cuenta, de lo que nos hace partícipes Brakhage, de nacer, de dar a luz, de saberse padre y no poderlo creerlo, pero sentir que la piel se enchina y no poder evitarlo. Catártico.



Black Ice



Un caleidoscopio. Azul, Rojo, Morado, Café, Amarillo Verde, Blanco, Plata, Naranja, Rosa, Negro. Aparecen prácticamente todos los colores en el corto y distintas versiones de ellos y sin embargo pareciera que tan sólo recordáramos el ázul con el negro. Evidentemente son los que están presentes casi todo el tiempo, pero de igual manera resulta curioso que se noten tan poco el resto de los colores. Es un trabajo experimental que deja poco espacio para hablar del mismo, pues creo que se queda un poco en la forma y deja de lado el contenido que debe ser siempre igual de importante.

Commingled Containers

Me recuerda un poco al impresionismo, a lo que intentaban lograr con la pintura, capturar la luz, el movimiento, llevado a sus últimas consecuencias. Un ritmo que pareciera hipnotizar y uno empieza a sentir oir el agua quebrar quebrar, las gotas de agua intentar escapar. Las imágenes te atrapan, cuesta trabajo dejar de verlas porque todas ellas son tan hermosas y alusivas que uno desearía que nunca terminaran.

Si fuera un artista pop.

Temas a tratar:

Zoofilia. La idea surgió del siguiente fragmento de un libro que leía.

"De pronto, Pastor levantó los brazos y clamó, con estentórea voz, dirigiéndose al rebaño, Oíd, oíd, ovejas que ahí estáis, oíd lo que nos viene a enseñar este sabio muchacho, que no es lícito fornicaros, Dios no lo permite, podéis estar tranquilas, pero trasquilaros, sí, maltrataros, sí, mataros, sí, y comeros, pues para eso os crió su ley y os mantiene su providencia. "
- El Evangelio Según Jesucristo de José Saramago.

De igual manera creo que otros temas que siguen impactando son: la coprofagia o la coprofilia, la necrofilia, el incesto y algunas "ramas" del fetichismo.

Ejercicio observación en profundidad

La Capilla Sixtina. Principalmente La Creación de Miguel Ángel.



Una visita al Vaticano, con boletos reservados y en la entrada a las 7:30am. Entramos mi hermano y yo, todas las salas estaban vacías, así que entramos directo a la Capilla Sixtina que se encontraba completa y absolutamente vacía. Me senté y voltee para admirar por segunda vez en mi vida esta impresionante obra de arte. Los siguientes 45 minutos transcurrieron más o menos así:

Primero, la pintura comenzó a desarrollar volúmen, la vista pareciera haberse nublado para recobrarse ya estando mirando una escultura, tanto como si la pintura hubiera cobrado vida. Comencé a fijarme en los detalles, lo primero que llamó mi atención fue la rodilla de Dios, esa rodilla que pareciera existir y ser de carne y hueso y estar flexionada, porque intento descubrir el truco y ver algún detalle que me haga recordar que tan sólo se trata de una pintura, pero eso no sucedé. Entonces me llama la atención la luz porque no entiendo de donde viene y entonces ladeo la cabeza para verla vertical y ya comienza a hacer sentido, viene de un sol de medio día que convenientemente no hace ojos de mapache, o al menos eso me parece. Después me percato del viento gracias a la posición de Dios y de su manta, pero pareciera no ser afectado por éste, entonces eso me hace pensar que quizás no es viento sino mero movimiento de Dios, es Dios acercándose a Adán a toda velocidad, quien está tan pasivo, tan despreocupado, a penas esforzándose por recibir a Dios, en una actitud un tanto altanera, creo yo. Y hasta este momento Adán seguía bastante plano y decido fijar la mirada en él, en su tamaño, ¿por qué Adán parece ser más grande que Dios? Y Dios con esa cara de urgencia, como si fuera él el que necesitara del hombre para existir y no al revés. Y los ángeles detrás de Dios tienen algo de misterioso, poco claro, uno pareciera no verlos hasta largo rato después de estar mirando la pintura. Y la concha detrás de Dios o capa que pareciera estar mal pintada ya que uno la mira con atención, pero es por la velocidad con la que anda. Y de repente el cuerpo de Adán se materializa al fin y la escena está completa. Entonces uno mira esos colores pasteles tan ideales y se piensa en su equilibrio, en la tranquilidad que genera que no sean de otro color sino de ese mismo. Entonces me alejo para ver la pintura a un ángulo de 45º y la pintura vuelve a ser sólo pintura. Y antes uno había notado que Adán casi se recargaba en un brazo ajeno, de la pintura de abajo, pero ahora ya no hay ilusión. Uno continúa mirando y de repente surge una angustia de que las figuras vayan a caerse pues han vuelto a materializarse y a ser real, y es por la posición y por la idea de la gravedad que uno empieza a confundirse y de repente la angustia es más por el vértigo de sentir que es uno el que está en la posición equivocada que por la preocupación real de la escena y así uno se despide de la pintura ya no logrando difrenciar quién mira a quien y quién es representación de quien.



La Venus de Milo de Botticelli



En los Uffizi, mirando a la Venus de Botticelli durante 45 minutos:

Estando de pie, lo primero que pasa por mi cabeza es la sensación de estar viendo un collage con recortes sobrepuestos, una sensación de estaticidad, como si las figuras hubieran sido encontradas ya en ese tamaño y en esa posición y hubiera sido simplemente adaptados al lienzo. Miro a la Venus fijamente y la línea que va de su cuello a su muñeca, del lado izquiero de su cuello, me llama la atención. Esa línea yo la hubiera borrado de cualquier boceto, pues si se le mira fijamente pareciera estar mal hecha y hasta cierto punto lo está, pero es una deformidad que seduce y que subraya el estado de ánimo de la Venus. Continúo analizando los elementos formales, pues en esta ocasión no planeaba quedarme tanto tiempo mirando al cuadro, sino simplemente terminar con un registro completo del mismo en mi cerebro. Así, miro la luz y pareciera estar puesta como para realizar un photoshoot o una película. Los colores pasteles tan sutiles, las flores sobrepuestas, la línea del horizonte tan exacta, la distribución de las figuras en el lienzo, todo está realizado según las reglas más básicas de la estética. Mientras continúo analizándola formalmente, una tristeza abrumadora, una nostalgia, una sensación de estar completamente entregada y no haber guardado nada para mí. Emociones como las de la cara de la Venus. De repente ya no era ella la que se sentía así, sino yo. Y de repente ella estaba sola en una concha tan alejada, y una amiga al lado queriéndola y velando por ella, pero eso no importa porque estan muy lejos la una de la otra. Y en ese momento sentí un nudo en la garganta de saberla así de sola, por su expresión, por mi expresión... Y la emoción era cada vez más intensa y de repente entendí que la experiencia se había logrado sin que yo la hubiera buscado, que yo era otra, que había cambiado, me había cambiado y me había hecho interiorizar en mi ser, había caído en la trampa de creer mirar sin darme cuenta que en realidad yo estaba siendo mirada.