Ejercicio 1

Poner cinco ejemplos de tiempo abstracto en cine (nombrar películas o videos, poner stills) y explicar de que abstracción se trata.

Tiempo emocionalmente introspectivo de tipo relativo y altamente complejo. (no sé como nombrarlo) El final de El Espejo, cuando la abuela está con sus hijos caminando, pero ella está físicamente en un tiempo presente y los niños están físicamente en un tiempo pasado.  Nos habla sobre como se siente el personaje principal en su tiempo presente, ya de adulto, a punto de morir, con respecto a la relación que llevó durante toda su vida con su madre.  Relativo a su madre, él se sentía otra vez de seis años.  Al mismo tiempo es una especie de premonición que se encuentra teniendo la madre en tiempo pasado sobre como será la relación con su primogénito cuando se atreve a reconocer consigo misma que anhela un varón.

Tiempo suspendido.  En Reflecting Mirror de Bill Viola, cuando el hombre no cae al lago, el tiempo queda suspendio, pero sólo su tiempo, pues el resto, el del paisaje visual continúa fluyendo tranquilamente.

Tiempo trance.  En Stalker, cuando los tres personajes van en el vagón acompañados de un magnífico score de Artemiev, en realidad es un tiempo de estilo trance o hipnótico.  Llegan a la Zona y nosotros como espectadores aceptaremos cualquier cosa, pues ya nos encontramos en otro estado mental, emocional y espiritual.

Tiempo Contenido.  El tiempo contenido en una presencia.  El tiempo que indica que se estuvo presente.  Una especie de aura materializada en un detalle.  Como el vaho de la taza en El Espejo.

Tiempo Vivencial.  Cuando se escapa la gravedad durante unos instantes en Solaris.  Los personajes principales extienden el tiempo a como lo viven en ese momento.  Es un tiempo subjetivo, en el que las cosas parecieran prolongarse indefinidamente.

En solaris también se podría hablar de otro tipo de tiempo.  El del personaje de ella.  Es una especie de tiempo vacío, pues en realidad no existe.  Es un tiempo inventado por el mar a partir de los recuerdos de él.  Es un tiempo muy complejo.

Matthew Barney

Cremaster.  Cine completamente plástico y estético.  El blanco y la limpieza que sólo pueden recordarnos a la esterilización.  No hay ningún tipo de vida visible y la que parece existir es completamente inorgánica, perfecta.  Pero de repente aparecen las uvas y la tela en el coche.  El contraste lo vuelve todo mucho más burdo.  Es completamente sexual. Pero ¿qué tipo de sexualidad?  Una íntima y hasta cierto punto escondida, pero por escencia, una sexualidad de lo abyecto, lo cual vuelve complicada su intimidad y sus ganas por esconderla.  

En realidad no sé que pensar de Cremaster y de Matthew Barney.  Me habría gustado terminar de ver la serie.  Leer un poco sobre el proyecto.  Escucharlo más tiempo hablar sobre el tema.  Discutir más.  Descubrir más pistas.  Creo que sé muy poco del proyecto como para generar comentarios que aporten algo.  Ni siquiera sé aún si me gustó o no, sólo sé que me intrigó.

Doug Aitken

Diamond Sea.  Un diamante en el mar.  Un artista visual que se apropia del espacio natural y que recurre al video como medio de registro.  Al final la pieza que se vende es el video, no la apropiación del espacio.  Si el artista sabe esto de antemano, como es lógico, entonces toda su idea tiene que estar lograda sin dejar de lado el resultado final (el video).  Situación que lo vuelve tanto más video artista que artista visual, pues al final tiene que pensar como va a abordar la pieza con el video primero y con mayor cautela que en la pieza en sí.  La posibilidad de modificar las cosas con la edición, con los encuadres y con todas las herramientas que el video proporciona debería de estar presente en la la mente del creador todo el tiempo.

Bill Morrison

Decasia.  Jugar con los hongos del material.  Incorporar las fallas.  Usar el paso del tiempo a favor de uno.  La idea suena tan desquiciada como habrá sonado la primera vez que alguien propuso comer queso con hongos o hacer vino o cualquier otro alimento que se aproveche de la descomposición del material original.  Sin embrago, los resultados siempre son increíbles.  El trabajo de Bill Morrison me parece Brillante.  La idea de llevarlo a cabo, pero no sólo eso, sino la manera en la que termina incorporando las descomposiciones, como los vuelve parte de la narrativa y genera ritmos a partir y a través de ellos.  El montaje es sensacional.  Las texturas.  La organicidad del material.  Está vivo y cambia.  Está vivo gracias a aquello mismo que lo está destruyendo... a los hongos, al tiempo.  Es tan paradójico como entender que a nosotros, los seres humanos, termina por destruirnos aquello sin lo que nos sería imposible vivir, pues el oxígeno es vital al mismo tiempo que mortal, nos oxida hasta que ya no podemos respirar.

Peter Tscherkassky

Dream Work.  El principio, en el tren que avanza, me recordó mucho a Europa de Lars Von Trier.  Lleno de misterio, de movimientos impredecibles, de obscuridad.  Las cosas no avanzan como uno esperaría.  Curioso, porque un tren promete tranquilidad en tanto que la ruta es predecible, está sobre vías, no hay mucho espacio para la improvisación y sin embargo, tanto el trabajo de Tscherakassky, como el de Von Trier, generan mucha inseguridad en tanto a cual terminará siendo el destino... probablemente no el prometido.  Conforme avanza Dream Work uno se da cuenta que estaba en lo correcto.  El título, Dream Work, nos había engañado.  Esto no se trata de un sueño, sino de una pesadilla.  Comienza el juego visual de sombras, de imágenes sobrepuestas, de confusión y terror.  Es una violación.

 Manufraktur.  Coches.  Coches.  Coches.  Unas piernas femeninas cruzan el cuadro.  Coches.  Coches.  Coches- Un sin fin de loops.  El tiempo comienza a fragmentarse, cada vez más rápido, cada vez en fracciones más pequeñas.  Hasta que termina en líneas.  Abstraído en las líneas que conforman su movimiento.  Líneas que viajan tan rápido que no somos capaces de apreciar como tal.  Un juego de montaje que genera un ritmo veloz y embrutecedor.

Peter Kubelka

Adebar.  La abstracción del movimiento.  Una danza sin personalidad.  Las formas son lo único que importa, las que se crean debido a la luz y a la obscuridad que se generan por el movimiento de los danzantes.  Hace poco vi un corto Tijuanense creado en Barcelona (Sector T de Sal Ricalde) en el que salía una chica bailando, pero desnuda.  El ejercicio es completamente distinto, uno sigue viendo primero a la persona y después al baile o a los movimientos generados.  Con el cuerpo desnudo uno no puede evitar mirar la manera en la que los músculos se contraen, en la textura de la piel, en el brillo del sudor.  Uno se pierde del movimiento por eso me gustó tanto Adebar, porque de verdad logra que nos concentremos únicamente en el baile.  Hermoso baile.

Joseph Cornell

By Night with Torch and Spear.  El humo sube y es atrapado.  Una sensación onírica envuelve a todo el corto.  La gente camina para atrás.  Lo que baja, sube.  Los tonos amarillos.  El fuego superando la sensibilidad del material.  Luego más tonos rosas y después el negativo puesto tal cual.  Los blancos aún siendo negros y los negros todavía queriendo ser blancos.  Recuerda mucho a Winter Solstice pero abordado desde un ángulo más humano.  

El fuego tiene la capacidad de hipnotizarnos a todos.  Verlo aparentemente controlado en una fogata y no poder dejar de verlo.  Saber que al final parece aparecer de la nada y sólo cuando él quiere... y desaparecer cuando así le place.  Se pierde la magia estando en la ciudad con los encendedores.  Pero un fuego real, un incendio, es hechizante y no es de extrañarse que tantos autores decidan incorporarlo en sus decisiones creativas.

Bill Viola

Migration. Esa gota cayendo me pareció mágica. Estaba tan abstraida en la manera en la que distorcionaba el espacio y expandía el tiempo, que tardé muchísimo tiempo en darme cuenta de que se trataba de una gota cayendo de un grifo que además contenía el reflejo volteado del primer personaje que habíamos visto. Una experiencia increible. Poder acercarte tanto a una gota de agua y descubrir que a pesar de su tamaño tiene lo necesario para seguir reflejando. Que tu reflejo cabe en una gota de agua, que si no lo ves no es porque no este ahi, sino porque tus ojos no tienen la capacidad de verlo.




The Reflecting Pool. El tiempo en este video es una cosa extremadamente compleja. Me gustaría analizarlo desde una cita que obtuve de Materia y Memoria de Bergson (libro que por alguna extraña razón me pareció ser mucho más pequeño, ahora que lo volví a revisar, de lo que recordaba cuando lo leí.)

"El pasado es por escencia lo que ya no actúa."

Bill Viola mezcla el pasado y el presente en un mismo tiempo (el del video ya editado, pues el del video grabando en realidad fueron dos tiempos diferentes) En este libro, Bergson se cuestiona que tanto el pasado en realidad ya no existe o que tanto simplemente ya no nos es útil. Ver, desde nuestro presente, el pasado y el presente en un mismo tiempo genera ansiedad justo porque se revela esto mismo. El pasado existe tanto como el presente, sólo ya no nos es útil. Un hombre congelado a la mitad del camino entre la orilla de un lago y el lago es completamente inútil. Es como ver a la muerte con vida... completamente aterrador.




"Percibir significa inmovilizar."


Ancient of Days. Bill Viola lleva hasta sus últimas consecuencias la idea de esculpir el tiempo. Tanto como Miguel Ángel tenía la capacidad para ver la figura que sólo él veía debajo de la piedra, para luego desenterrarla de la piedra, de la misma manera Bill Viola parece lograr desenterrar tiempos que sólo él logra ver enterrados dentro del gran tiempo que el resto de los mortales vemos. En Ancient Days lo hace tan bien que la piel se crispa sin querer.





Hatsu Yume. El Primer Sueño en japonés. Acciones que describen al movimiento paso a paso. Fragmentando la continuidad de la duración, volviéndola digerible, retrazable, memorizable. Un ejercicio interesante.

Pipilotti Rist

Ajourd´hui. Hoy en francés. Una cámara que vuela alrededor de Pipilotti Rist, sin perderla de vista casi nunca. La cámara se eleva, gira, va y viene sin ninguna dificultad. Antes de comenzar el corto, se avisa que se debe de mirar con la oreja izquierda pegada al hombro (ósea en un ángulo de 90º) Ella está en el súper, después en su casa. Durante su recorrido, aparecen siluetas sobreexuestas y pequeñas que se sobreponen a la imagen de Pipilotti Rist. Entre el movimiento, los ojos verdes de ella y las siluetas que van y vienen, la cámara lenta, el silencio, uno termina por quedar hipnotizado. La narrativa deja de importar. Ya no es relevante que tan sólo se trate de una chica paseando por un súper. Visualmente es tan atractivo que se impone al de los elementos.

Chick Strand

Fake Fruit Factory. Parte de una tradición mexicana bastante curiosa. Frutas de madera y de cera para poner como adorno en la mesa del comedor. Manos mexicanas. Rostros mexicanos. Artesanías mexicanas. Jefes gringos. Chick Strand realiza un video antropológico en el que analiza las relaciones que se generan dentro de la fábrica de fruta falsa. Los jefes gringos tienen su harem personal de mujeres mexicanas. Las mujeres mexicanas disfrutan de la atención extra que reciben de los jefes. El trabajo es interesante en cuanto al manejo de c.u.'s con telefoto, a la manera en la que se concentra en las manos. Visualmente es muy interesante y propositivo. Narrativamente me resulta interesante a medias porque tiene partes muy predecibles.

Naomi Uman

Removed. El título lo dice todo. La mujer queda eliminada. Brilla por su ausencia. Las escenas eróticas y/o pornográficas adquieren un sentido completamente distinto. Uno no puede dejar de ver la mancha blanca. Se vuelve tanto más violento. La mujer queda despojada de su corporalidad, queda reducida a puro vacío. "...el espíritu es irresistiblemente hechizado por el lugar vacío dejado por el sentido" dice Baudrillard. Esta película es como el hijo audiovisual que hubieran podido tener Bataille y Baudrillard. Es tanto así de complejo para mí.

Un espejo cuelga de la pared opuesta
ella no piensa en él,
pero sí el espejo en ella
(Diario de un Seductor)


"Seducir es morir como realidad y producirse como ilusión" dice Baudrillard.



“El goce se sitúa allí donde la palabra tropieza, falla, falta. Es el momento en que la palabra se confronta con lo inarticulable. Su proximidad supone el peligro de ruptura de toda referencia simbólica, confina con el horror. De ahí su lazo esencial con la pulsión de muerte introducida por Freud.”

- Bataille.

Dara Birnbaum

Wonder Woman. Un programa de televisión súper setentero. El mundo de los comics. Una superheroína que nació de la necesidad feminista por "igualdad". Dara Birnbaum realiza un proyecto con un claro tono sarcástico. En realidad ella sólo nos enfoca la mirada a lo que ya estaba ahí desde antes. El hombre y la mujer no son iguales y nunca van a serlo. Físicamente, mentalmente, emocionalmente... son distintos. ¿por qué la necedad de buscar una igualdad que en principio no existe? Se termina con proyectos como Wonder Woman, en los que, con un poco de edición que logre sacar al espectador de la diégesis, queda claro lo ridículo que son: Una mujer que razga el vidrio con sus uñas.... ¿por qué no mejor partir de la base de que somos diferentes? No digo que las cosas se tienen quedar como las pinta Disney (la princesa espera ser rescatada por su príncipe) sólo digo que no hay necesidad de crear mujeres físicamente superiores a los hombres, porque eso es absurdo (con sus claras excepciones) y termina por sentirse ridículo. El feminismo tiene sus límites y están en la lógica y en la razón.

Shuji Terayama

Video Letter. Me impresona la capacidad que tienen Shiju Terayama y Shuntaro Tanikawa para generar arte a parir de algo que conlleva un dolor tan profundo y poderoso. Milagrosamente evitan caer en cualquier tipo de cliché. Se realizan preguntas que todos nos hemos hecho millones de veces ¿Quién soy yo? (por ejemplo) pero las hacen desde un punto que ninguno de nosotros conoce, desde el principio del desenclace y eso le agrega una dimensión de profundidad a la misma. Se responden llenos de la frustración que implica saber que no existen respuestas acertadas. Es un ejercicio muy valiente. Mirar hacia adentro cuando crees que ya de nada sirve porque igual ese "adentro" dejará de existir en muy poco tiempo. Todavía más valiente atreverse a compartirlo con el mundo. Arriesgarse a que sea mostrado en una clase de universitarios y que nadie entienda, que la gente se aburra y se desespere de tanta introspección, que a su corta edad los alumnos sean incapaces de empatizar, tal vez más por miedo que por verdadera falta de sustancia. Es un ejercicio del que cuesta trabajo hablar porque cuesta trabajo ver también.

Standish Lawder

Necrology. Caras subiendo en la pantalla. Rostros que no llegamos a cuestionar. Un montón de gente, tal como la vemos a diario en algún mall o incluso en la calle. Pasados unos segundos uno empieza a cuestionarse más la forma en la que se realizó que a la narrativa. Nos deja de importar qué hace la gente ahí, ¿quiénes son? El encuadre está increíblemente bien pensado, genera la sensación de unas escaleras eternas. La gente aparece y desaparece sin dejar rastro alguno. Una metáfora muy ingeniosa de la vida.




Corridor. El cliché del corredor llevado al extremo en todos los sentidos. Una mujer a lo lejos. Con tantos cambios de luz y de colores que llega un punto en el que uno olvida por completo que se trata de una mujer. Las líneas de fuga. La cámara da giros. Se vive el espacio como no podría vivirse sin una cámara de por medio.

Nam June Paik

Artista Visual. Músico. Video Artista. Cine Experimental. Fluxus. John Cage. 4' 33''. Mercer Cunningham. Danza Moderna. Colores. Formas. Tiempos. Ritmo. Abstracción. Deformación. Ruido. Movimiento. Textura.




Todo eso viene a mi mente cuando recuerdo el trabajo de Nam June Paik.


Global Groove. Hoy en día es un simple videoclip más. Creo que no supo envejecer muy bien. pesar de eso, se trata de un viaje visual y rítmico muy interesante. Resulta fácil dejarse envolver en ese mundo de colores y formas cuyo único sentido es generar ritmo.



Suite 212. Empresas Multinacionales. El paisaje: Nueva York. Una crítica poética.




Merce by Merce by Paik. Merce se dirige. Nam June Paik dirige el proyecto. Merce Baila. Paik graba. El resultado es grandioso: Paik y Merce haciendo arte a contratiempo.




Good Morning Mr. Orwell. Un proyecto extremadamente ambicioso para la época.
Como cineastas aprendemos a detestar a la televisión, por lo menos en Centro. Paik demuestra que no hay que descartar nunca nada, que con todo se pueden generar proyectos interesantes. La cultura televisiva no es inferior a la cinéfila. Hay que dejar atrás las pretensiones. Dejar de hablar y empezar a hacer.



Un poco de Cage.


Fontana Music Mix (Fragmento), John Cage.


Xenakis, músico y arquitecto.

La música y el ritmo. Me recuerda a un libro que leí hace poco, (Música de la Arquitectura) una compilación sobre Xenakis. Hablaba de los páneles ondulatorios de vidrio que había creado para Le Corbusier, para generar un ritmo visual en los edificios. Los usó en La Tourette por primera vez.

Boceto con ritmo. Aunque a primera vista no sepamos sentirlo.




La Tourette.









La arquitectura es música congelada - Goethe.